Естествен особый интерес к спектаклям и произведениям, с которыми до приезда в Москву свердловского театра не было возможности познакомиться. К ним принадлежат, помимо «Черного дракона», сатирическая комедия венгерского композитора Яноша «Семь пощечин» и оперетта А. Жилинскиса «Парни Янтарного берега».

Спектакль «Семь пощечин» (режиссер — А. Борисов) рассказывает о власти золота в капиталистическом мире. Пощечины — это возмездие, которое получает за свою жадность миллионер Тэрбэнкс, отказавший в помощи в трудную минуту жизни «хорошему парню» Макпфэбу. К сожалению, за удачно найденной внешней формой, спектакль по существу бездействен. Характеры героев статичны, не претерпевают никаких изменений в процессе развития сюжета. Действие топчется на месте, события не имеют развития, многократно повторяется аналогичная ситуация (получение Тэрбэнксом пощечины) с едва заметными вариантными отклонениями. Мне кажется, что спектакль особенно не пострадал бы, если скупюровать две-три «пощечины». И без того слабая драматургия разбавлена еще солидной порчей откровенно вставных балетных номеров. Естественно, что такая пьеса не дает возможности исполнителям сколько-нибудь ярко проявить свои индивидуальности.

Драматургической вялостью страдает и музыкальная комедия Жилинскиса «Парни Янтарного берега» (режиссер — В. Пуце). В ней привлекают внимание музыка, воссоздающая характерные интонации латышского фольклора, особый характер юмора пьесы. Лирика наиболее близка композитору, и естественно, что лирические эпизоды наиболее удачны в спектакле. Острохарактерные ситуации пьесы, а тем более ее драматические эпизоды не получают столь же убедительного воплощения. Их музыка не синтезирует энергию, накопленную драматическим действием. Более того, порой своей лиричностью она разрушает динамику спектакля.

В этой постановке есть яркие актерские работы, в первую очередь — это П. Емельянова, исполнительница роли спекулянтки Мице. Интересны и В. Валента, молодые Т. Шумская, С. Духовный.

Хочу обратить внимание на финал оперетты «Парни Янтарного берега». В отличие от других спектаклей авторы, рассказывая о судьбе главного героя, не ставят здесь «точку». Зрители понимают, что произойдет в дальнейшем с Арнисом, но каждому предоставляется возможность дофантазировать, как это произойдет. Некоторая недосказанность способствует активному вовлечению зрителя в творческий процесс. К сожалению, в Свердловском театре музыкальной комедии эта тенденция не получила еще полного признания. Этому мешает активное стремление театра все растолковать, разжевать «бестолковому» зрителю.

Нужно ли рассказывать о «Лисистрате» Г. Дендрино и о «Девушке с голубыми глазами» В. Мурадели, которые также были представлены в гастрольном репертуаре. Думаю, что нет. Произведения эти хорошо известны. Что же касается спектаклей, то их положительные стороны и недостатки имеют много общего с другими постановками этого театра. Одно лишь замечание по поводу «Девушки с голубыми глазами». Некоторая традиционность в выборе материала и характере его использования в этой пьесе — очевидны. В известной мере в плену этих традиций пьесы оказался и театр. Уже первый номер оперетты — хоровая песня о Москве — отсечена от действия и превращена в вычурно-помпезную заставку (хотя возможность другой, лирической трактовки музыка предоставляла). К сожалению, авторы спектакля именно на такой «ноте» решили и многие последующие сцены.

Однако список заслуживающих внимания актерских работ будет неполным, если я не назову исполнителей главных ролей в «Лисистрате» и «Девушке с голубыми глазами»: Ю. Осипова, А. Матковского — архонта Афин; А. Виноградову — обаятельную Таню Лялину; Н. Энгель-Утину — Мэри Ив в оперетте Мурадели; В. Осипову, обратившую на себя внимание простотой, естественностью исполнительской манеры в той же оперетте в небольшой роли Люси Бирюлькиной. Актеры разных поколений — они составляют крепкое исполнительское ядро театра.

Может быть, в чем-то мои впечатления субъективны. Тогда я скажу, что люблю оперетту, верю в это живое, тонкое и умное искусство, которому доступно раскрытие столь же больших и глубоких тем, как опере или драме. Синтетическая природа оперетты требует от актера высокого мастерства в пении, в драматическом искусстве и танце. Но последнее и главное слово в этом искусстве всегда принадлежит музыке. Я люблю оперетту и потому не могу быть равнодушным к ее успехам и неудачам.

Л. Полякова

Трудолюбивый коллектив

Челябинский театр оперы и балета им. М. И. Глинки — таково полное наименование коллектива, гастролировавшего в Москве минувшим летом. Гастроли совпали с юбилеем: в этом году театру исполнилось десять лет. Таким образом, московские спектакли явились творческим отчетом молодого коллектива, благодаря которому промышленный южноуральский город стал еще одним музыкальным центром нашей страны.

Для эстетического развития населения города оперный театр имеет, пожалуй, особенно важное значение: его масштабность и синтетическая природа легче приобщают людей к богатствам художественной культуры. (Не случайно именно опера была в свое время основным очагом формирования национальных музыкальных школ почти во всех странах Европы.) Это открывает слушателям пути к дальнейшему музыкальному развитию, к освоению других жанров и видов искусства.

Правильная репертуарная политика, умение раскрыть красоту оперной музыки, не модернизируя, не допуская исполнительных «вольностей», отличают стремления челябинского коллектива во главе с его бессменным музыкальным руководителем, дирижером И. Заком. О том, что театр уже многого достиг на этом пути, свидетельствуют и его популярность у себя на родине, и горячая реакция зрительного зала (этому я была свидетельницей во время поездки в Челябинск). Начав с наиболее доступных по музыке оперных и балетных постановок, театр терпеливо воспитывал свою аудиторию. И награда ему — широкая посещаемость достаточно сложных спектаклей. В репертуаре театра мы находим и сочинения советских композиторов, и такие замечательные образцы русской классики, как «Борис Годунов» или «Каменный гость».

На челябинской сцене получили свое рождение две советские оперы: «Город юности» и «Два капитана» Г. Шантыря. Последней и открылись московские гастроли коллектива.

На сцене — наши современники. Надо оценить настойчивость и энтузиазм композитора, посвятятившего уже вторую оперу советской молодежи. Шантырь был, конечно, прав, когда акцентировал именно лирическую тему «Двух капитанов» (ведь черты детективности в романе В. Каверина, по мотивам которого он вместе с либреттистом С. Цениным создавал свое произведение, чужды оперной сцене вообще). В опере сохранены общая атмосфера романа, расстановка действующих лиц, их взаимоотношения и судьбы. Отступления продиктованны исключительно спецификой оперного жанра.

Главное в опере Шантыря — тема чистой и верной, требовательной и несгибаемой любви, помогающей героям пройти через все испытания. Это чувство прежде всего воплощено в образе Кати. Характер Сани Григорьева, к сожалению, несколько расплывчат, намечен словно пунктиром, его партия распадается на ряд отдельных эпизодов. Наиболее интересны по музыке сцена проводов эшелона с любовным дуэтом-прощанием, эпизод столкновения раненого Сани с Ромашовым в осиновой роще, ариозо Марии Васильевны и ее дуэт с Катей. Талантливая находка композитора — суровый мужественный напев солдатской песни, который затем вырастает в символ войны. Убеждает и то, как раскрывается в опере военная тема — сдержанно, лапидарно. Есть и отдельные выразительные зарисовки фоновых эпизодов и персонажей второго плана. Например, ненец Вылка с его колоритно стилизованной песней.

Вместе с тем опера не свободна от ряда недостатков, я бы сказала даже, не столько индивидуального порядка, сколько «типовых», кочующих из кинофильма в оперу, из повести в роман или оперетту. В «Двух капитанах» дают о себе знать подчас штампы, которые — увы! — отличают многие произведения на современные темы. Таковы, например, образы «не нашего» по своей психологии профессора (в данном случае — это Николай Антонович, отчим Кати) и в особенности его любимчика, молодого преуспевающего ассистента, карьериста, преследующего юную героиню своими любовными домогательствами (в «Двух капитанах» это, конечно, Ромашов). Такова, к сожалению, тоже довольно штампованная сцена — выпускной вечер с обязательным вальсом (не принадлежащим, кстати, к лучшим по музыке страницам оперы). Таковы, на мой взгляд, и «родимые пятна» нашего оперного бытовизма прежних лет, выражающиеся в обязательном стремлении авторов подробно «разжевать» все коллизии, наглядно проиллюстрировать события, вместо того чтобы сказать главное вдохновенным языком музыки. Поэтому появляются совершенно ненужные побочные персонажи (санитарки в осиновой

Содержание
Увеличить
Как книга
Как текст
Сетка

Л. Полякова

Трудолюбивый коллектив

Содержание