ного использования финских народных мелодий. Композитор обрисовывает не столько природу, сколько жизнь людей, связанных с этой природой. «Как и во всех моих вокальных сочинениях, я придаю здесь большое значение полнейшей ясности вокального и драматического текста для слушателя, — писал Дессау. — Впрочем, музыка «Пунтилы» нигде не подчиняется тексту и никогда не является просто поводом для пения». Композитор стремится избегать «кулинарного» (брехтовский термин), самодовлеющего, «красивого» вокализирования и с этой целью использует разнообразнейшие выразительные средства человеческого голоса в гротескных сценах, особенно для характеристики противоречивого образа Пунтилы¹. Наряду с пением применяется речитатив, а порой — лишь ритмизованная речь. Когда же композитор хочет специально подчеркнуть отдельные слова или фразы, он прибегает к фальцету, например в «алкогольных пассажах», где, по мнению автора, «…музыка должна вскрывать отвратительные черты свойственной человеку бесчеловечности». А в партии Матти, ловко ведущего старый «мерседес» прямо по сцене, мелодика проще, чаще встречаются ариозные обороты. То же можно сказать и о характеристиках четырех крестьянок. Противопоставление этих двух сфер подчеркивается и инструментовкой.

Некоторые страницы музыки Дессау откровенно экспериментальны; иногда же он обращается к нашему слуховому опыту — скажем, при обрисовке дочери Пунтилы Евы, отличающейся особым эротическим любопытством. Композитор наделяет этот образ эксцентрическими мелодиями в духе модных шлягеров двадцатых годов.

Опера «Пунтила» ставит исключительно сложные и специфические задачи перед исполнителями — как певцами, так и музыкантами оркестра. Возникал даже вопрос: следует ли относить ее к жанру оперы? Без сомнения, да. Но следует заметить, что это опера нового типа, в которой, как уже говорилось, использованы разнообразнейшие средства — от традиционного распева до пьяного рева, от изысканно-утонченных деталей сопровождения до резкого звукового взрыва в последнем оркестровом антракте. То, что «Пунтила» — вот уже в течение трех лет — продолжает пользоваться неизменным успехом в Берлине, доказывает, что это сочинение обогатило современный музыкальный театр.

Вслед за «Пунтилой» Дессау создал новую оперу, «Ланцелот», заказанную ему берлинской Staatsoper. Премьера ее состоялась в дни чествования 75-летнего маэстро. В основе сочине-

ния — пьеса советского драматурга Е. Шварца «Дракон», с огромным успехом, при постоянных аншлагах идущая в драматическом театре в Берлине. Постановка новой оперы Дессау осуществлена под руководством Рут Бергхауз, режиссировавшей «Пунтилу».

В последние годы Дессау написал музыку к нескольким драматическим постановкам театра «Berliner Ensemble», среди которых особое место занимает «Кориолан» Брехта. Интересно решение сцены битвы в начале пьесы. Стремясь создать ощущение хаоса, растерянности, композитор мастерски использовал сочетание ударных инструментов с хорами драматических артистов — поющих или говорящих — в различных ритмах и на разной звуковой высоте при постоянно сменяющейся, восходящей или нисходящей, динамике. Этим достигается выразительность буквально потрясающей силы. В батальной сцене, нарисованной Дессау, чувствуешь всю внутреннюю противоречивость и трагизм ситуации, жестокую сущность империалистических войн вообще. И невольно обращаешься мыслью к полыхающей земле Вьетнама. Говоря иначе, музыка Дессау, оперируя лишь ей присущими средствами выражения, не только комментирует и иллюстрирует действие, но и, как это имел в виду Брехт, побуждает аудиторию к серьезному размышлению. Недаром, в превосходном исполнении под руководством автора, она способствовала активному воздействию постановки на аудиторию.

Интересно сопровождение Дессау к пьесе Питера Вайса «Беседы о Вьетнаме», также поставленной театром «Berliner Ensemble». Параллельно с этой работой композитор создал несколько песен, переданных им в фонд международной солидарности с героическим народом Вьетнама.

К последним годам творчества Дессау относятся и три значительных симфонических сочинения. К 400-летию Мекленбургской государственной капеллы в Шверине им написаны Вариации на баховские темы для большого симфонического оркестра (1964), в которых использованы «Крестьянский танец» Ф. Э. Баха и известная «Мюзетта» из «Нотной тетради Анны-Магдалины Бах», диалектически сопоставляемые в контрастной и в то же время завершенной композиции.

Весьма противоречивые мнения вызывает другая работа — «Симфоническая адаптация Струнного квинтета Es-dur B. A. Моцарта». Под «адаптацией» Дессау подразумевает не только «перевод» камерной музыки позднего Моцарта на «язык» современного оркестра. Самая суть ее подвергается испытанию новейшими техническими приемами и под воздействием их обретает иной смысл. Сохраняя уважение к моцартовскому гению, композитор стремится извлечь из его

_________

¹ Вероятно, с этой же целью большой и разнообразный состав оркестра, как правило, не используется полностью одновременно.

сочинения новые возможности. Так, он заостряет драматизм развития в первой части, переносит отдельные темы из одной части в другую, подчеркивает народно-танцевальный характер Менуэта с помощью мощного оркестрового tutti, усиливает звучание двойной фуги в финале.

А вот еще одно сочинение Дессау. Оно посвящено 50-летию Великой Октябрьской социалистической революции. «26 декабря 1966 года я прочел в газете о второй посадке управляемого космического аппарата на Луну в районе кратера «Океан Бурь», — пишет сам Дессау, — Мне сразу же пришло в голову, что это будет названием, нет, более того, — это будет программой моего нового сочинения для оркестра, заказанного мне Staatsoper. Оно отражает, на мой взгляд, как триумф советских достижений в космосе, так и всемирное значение Великой Октябрьской социалистической революции 1917 года. Мне хотелось бы посвятить этой грандиозной теме лучшую музыку, какую я ныне в состоянии создать».

«Океан Бурь» — выразительное симфоническое сочинение. После широкого вступления начинается подвижная первая часть, которая (по словам Дессау) должна «изображать грандиозную борьбу». В более спокойной второй части разрабатывается тематический материал первой. Она завершается развернутой каденцией солирующих скрипки и альта, сопровождаемых ударами литавр. Третья часть основана на развитии мелодии «Варшавянки» — вначале у флейт, затем у труб и, наконец, у контрабасов pizzicato в духе современной хоральной фантазии. Коде сочинения чужд внешний «плакатный» оптимизм; при всей своей мощи и радостном настроении, она не лишена и некоторого драматизма. Финальное crescendo воспринимается как символ победы человека над космосом, символ силы и могущества Советского Союза. Эту мысль Дессау подчеркнул, написав на последнем листе партитуры русские слова: «За мир!»

«Океан Бурь» впервые был исполнен 14 октября 1967 года оркестром Staatsoper под управлением О. Сюитнера.

...Итак, Паулю Дессау — 75 лет. Ему неведомо успокоение. Он неустанно пишет новые сочинения, принимает горячее участие в музыкальной жизни ГДР. Несколько лет подряд руководит Дессау классом в одной из школ.

Творчество Дессау — вклад в борьбу всех честных людей за улучшение мира. Его музыка повествует о величии этой борьбы, о международной солидарности трудящихся, о счастье и любви...

Перевела с немецкого Н. Кравец

НА КОНКУРСАХ И ФЕСТИВАЛЯХ

Т. Хренников

ДОРОГОЙ ПОБЕД

Последние годы принесли нам немало побед на международных конкурсах грамзаписей. Редакция обратилась к председателю художественного совета фирмы «Мелодия» Т. Н. Хренникову с просьбой рассказать об успехах нашего искусства звукозаписи, о стоящих перед ним задачах.

Достижения XX века в области науки и техники коснулись и художественного творчества. Родились радио, кино, звукозапись, телевидение... По сей день идут оживленные дискуссии и споры о том, что представляют собой эти технические новшества: «подсобные» средства пропаганды или самостоятельный вид искусства?

Звукозапись, как известно, привнесла в музыку многие принципиально новые качества. Она дала возможность не только запечатлевать самый процесс исполнительства, но и достигать неизвестных прежде акустических и агогических эффектов, тончайших выразительных нюансов. Звукозапись во многом повлияла и на характер исполнительских интерпретаций. Наконец, именно она способствовала необычайному заострению демократического и социального звучания музыкального искусства, сделав его достоянием огромной аудитории. Для магнитофонной ленты или пластинки не существует границ. Для нее не нужен и гастрольный план: с точностью и беспристрастностью очевидца она рассказывает об успехах и неудачах, проблемах и задачах того или иного артиста или национальной культуры в целом.

Успехи советского искусства за рубежом находят свое выражение не только в громе искренних оваций, не только в победах наших музыкантов на международных конкурсах, не только в единодушно восторженных рецензиях на выступления посланцев социалистической культуры... Сегодня, вероятно, трудно в какой-либо точке земного шара найти фонотеку — сколь бы мала или велика она ни была, — в которой не было бы пластинок, выпущенных в Советском Союзе. На этих дисках — музыка С. Прокофьева и Д. Шостаковича, А. Хачатуряна и Д. Кабалевского, Г. Свиридова и К. Караева, Р. Щедрина и С. Слонимского... На этих дисках — голоса З. Долухановой и Г. Вишневской, А. Ведерникова и Т. Милашкиной, мастерство С. Рихтера и М. Ростроповича,

Содержание
Увеличить
Как книга
Как текст
Сетка

НА КОНКУРСАХ И ФЕСТИВАЛЯХ

Т. Хренников

ДОРОГОЙ ПОБЕД

Содержание